martedì 10 novembre 2026

Palermo: Jérémie Rhorer dirige al Politeama la “Leningrado” di Dmitrij Šostakovič

 

La Settima Sinfonia in do maggiore op. 70 di Dmitrij Šostakovič, conosciuta come Leningrado, è l’imponente brano scelto per il prossimo appuntamento della 67ª Stagione concertistica dell'Orchestra Sinfonica Siciliana, “CONNESSIONI. La musica incontra le idee, le persone, le storie”. A dirigerla, venerdì 13 novembre alle ore 20.30 e sabato 14 novembre alle ore 17.30 al Politeama Garibaldi di Palermo, tornerà Jérémie Rhorer, musicista francese dalla carriera internazionale, apprezzato per le sue interpretazioni del repertorio sinfonico e operistico, dal Settecento alla musica contemporanea.
Una delle opere più rappresentative del Novecento, la Leningrado è strettamente legata a uno dei momenti più drammatici della Seconda guerra mondiale. Composta nel 1941, mentre l'Unione Sovietica subiva l'invasione nazista e Leningrado si preparava ad affrontare un assedio destinato a durare quasi novecento giorni, la Sinfonia divenne immediatamente un simbolo della resistenza della popolazione civile e della lotta contro il nazifascismo. Ma è anche un’opera che supera il proprio contesto storico, affrontando attraverso la musica temi universali come la violenza, la sofferenza, la memoria e la capacità dell'uomo di opporsi alla distruzione.

Sabato 14 novembre
, dalle ore 9,30 alle ore 14, in occasione della Giornata mondiale del diabete, presso la Sala degli Specchi del Politeama Garibaldi si svolgerà, inoltre, il progetto speciale “Note di Vita” che mette la musica al servizio della prevenzione, della cura e dell'inclusione, creando occasioni di incontro e partecipazione per le persone con diabete e le loro famiglie. 
Il progetto affianca ai concerti un programma di attività di prevenzione e sensibilizzazione, incontri informativi, screening, momenti di confronto e iniziative dedicate al benessere, realizzati in collaborazione con l’Azienda Ospedaliera Villa Sofia-Cervello e con associazioni e realtà del settore sanitario. È prevista una maratona musicale con musicisti solisti e ensemble cameristici nonché screening e consulti medici gratuiti. Per coloro che si sottoporranno alle visite mediche è previsto lo sconto del 20% sul biglietto del concerto delle ore 17,30 diretto da Jérémie Rhorer (nella foto a destra) che rappresenta il momento conclusivo e simbolicamente più forte della giornata.

Al Carlo Felice di Genova, per GOG, il cammino audace del Trio con pianoforte

 

Sono reduci, al Teatro Carlo Felice di Genova, dall'integrale dei trii di Beethoven nel corso delle stagioni 2022-23 e 2023-24.
Due anni dopo il loro ultimo concerto, Jean-Marc Phillips-Varjabedian, Raphael Pidoux e Vincent Coq, alias il Wanderer Trio, il trio con pianoforte più acclamato sullo scenario internazionale, si ripresenterà lunedì 16 novembre, sempre al Carlo Felice, alle 20:30, con tre capolavori che illustrano l'evoluzione della forma-trio dall'apogeo del Romanticismo all'avanguardia del secolo scorso, attraverso il lirismo della maturità ottocentesca: il tutto ancora sotto il segno del virtuosismo strumentale.
Il concerto sarà introdotto, alle 19:30, nella Sala Paganini, da Nicola Ferrari, docente all'Università di Genova.
Tre i brani in programma per tre artisti: Mendelssohn, Liszt e Ravel.
Di Mendelssohn gli artisti del Wanderer eseguirà il Trio op. 49, uno dei vertici assoluti della letteratura cameristica ottocentesca,
lodato da Schumann che definì il collega il "Mozart del XIX secolo". La partitura è frutto di un "consiglio" dell'amico Ferdinand Hiller, secondo il quale il pianoforte suonava troppo all'antica, specie dopo gli apporti di Chopin e Liszt Mendelssohn accettò la critica e ne riscrisse la parte, rendendola più audace e impegnativa. 
Sotto i riflettori, poi, Tristia di Liszt, la trascrizione per trio con pianoforte, realizzata da Eduard Lassen o dallo stesso Liszt e poi da lui riveduta, del celebre brano pianistico tratto dal primo anno delle Annees de pèlerinage: Suisse. Ispirato al romanzo epistolare Obermann di Etienne Pivert de Senancour, il brano rievoca, nel titolo, l'elegia dell'esilio di Ovidio.
Chiuderà la serata il Trio in la minore di Ravel. Composto nell'estate del 1914 a Saint-Jean-de-Luz, all'alba della Prima guerra mondiale, il Trio è un capolavoro di equilibrio architettonico, invenzione coloristica e disciplina formale: una prova di forza timbrica e virtuosistica


Formatosi al Conservatoire National Superieur di Parigi e vincitore del Concorso Ard di Monaco nel 1988, il Wanderer Trio ha sviluppato un percorso che unisce il grande repertorio classico e romantico a un costante interesse per la musica contemporanea. Ospite regolare di sale come Musikverein, Concertgebouw, Wigmore Hall, Teatro alla Scala e Philharmonie di Berlino, collabora con importanti orchestre e direttori internazionali. La ricca discografia, realizzata soprattutto per Harmonia Mundi, comprende integrali dedicate a Schubert, Beethoven, Brahms e Schumann e ha ricevuto numerosi riconoscimenti internazionali, tra cui Diapason d’Or, Gramophone Award e Victoires de la Musique. Il Wanderer Trio è inoltre attivamente impegnato nella didattica e nella formazione delle nuove generazioni.

Il Teatro Pergolesi di Jesi tra i dieci finalisti del Concorso Art Bonus 2026: si vota dal 10 al 16 novembre su Facebook e Instagram

 

La Fondazione Pergolesi Spontini di Jesi è tra i dieci finalisti del Concorso Art Bonus 2026 con il progetto “#iosostengoilpergolesi2025” a sostegno del Teatro Pergolesi, nell’edizione speciale dedicata al Welfare Culturale, scelta per celebrare il decimo anniversario dell’iniziativa e valorizzare il ruolo della cultura come strumento di benessere, inclusione e coesione sociale. Il Concorso Art Bonus è promosso dal Ministero della Cultura e da ALES S.p.A., in collaborazione con Promo PA Fondazione.
La Fondazione è l’unica realtà delle Marche tra i finalisti, che arrivano da Trentino-Alto Adige, Toscana, Piemonte, Emilia-Romagna, Liguria, Veneto, Campania e Lombardia; la finale si vota sui canali social ufficiali di Art Bonus, dalle ore 12 del 10 novembre alle ore 12 del 16 novembre.
Per votare su Facebook basta mettere “Mi piace” al post dedicato al progetto del Teatro Pergolesi
https://www.facebook.com/share/1E5C9ptsBy
e per votare su Instagram si mette il cuore al post https://www.instagram.com/p/DfjxZmGo7hH/?cplk=MXAyMHIwMmo2emhmNw==
Si può votare su entrambe le piattaforme. Ogni utente può esprimere una preferenza per ciascuna piattaforma. Contano solo le reazioni ai post ufficiali e non quelle nei commenti, e la classifica è data dalla somma delle preferenze ottenute sui due canali; ai primi tre classificati va un riconoscimento simbolico ma di prestigio.
 
Il Pergolesi di Jesi (1798) è Teatro di Tradizione dal 1968 e da luglio patrimonio dell’umanità UNESCO, uno dei dieci teatri condominiali all’italiana dell’Italia centrale iscritti nella Lista del Patrimonio mondiale. “#iosostengoilpergolesi” è la campagna con cui dal 2019 la Fondazione Pergolesi Spontini raccoglie contributi tramite Art Bonus, il credito d’imposta per le erogazioni liberali a favore della cultura, con il filo conduttore “Il Teatro nel Territorio, il Territorio nel Teatro”: l’obiettivo è garantire continuità, sostenibilità, tutela e accessibilità del Teatro Pergolesi e della sua attività, dal Festival Pergolesi Spontini alla Stagione Lirica di Tradizione, dalle rassegne teatrali alla ricerca musicologica,  ai progetti educativi e di teatro sociale. Diversi i progetti di eccellenza per l’inclusione e il benessere, tra cui “OperaH” dedicato a persone con disabilità e vincitore di diversi premi nazionali, come il Premio Abbiati (2024, “Filippo Siebaneck”) e il Premio Inclusione 3.0 (2022, Università di Macerata), e numerosi i percorsi di educazione al melodramma e ai mestieri del teatro che coinvolgono le scuole del territorio.
I giorni del voto coincidono con quelli del terzo titolo del cartellone della 59ª Stagione Lirica di Tradizione, con la prima esecuzione assoluta de “L’esecuzione. Sotto lo sguardo di Tosca”, musica di Salvatore Passantino su libretto di Marco Malvaldi, nuova commissione della Fondazione: anteprima giovani giovedì 12 novembre alle 16, debutto sabato 14 novembre alle 20.30 e replica domenica 15 novembre alle 16.

A MILANO AL VIA LA NUOVA EDIZIONE DI CRESCENDO IN MUSICA

 

Dal 14 novembre 2026 al 15 maggio 2027 torna all’Auditorium di Milano Crescendo in Musica, la storica rassegna dell’Orchestra Sinfonica di Milano dedicata ai più piccoli e alle famiglie, con appuntamento il sabato pomeriggio alle ore 16.
Dopo aver celebrato lo scorso anno i suoi primi 25 anni, Crescendo in Musica apre un nuovo capitolo della propria storia con sei spettacoli nei quali la musica sinfonica incontra teatro, narrazione, comicità e immagini. Un percorso pensato per avvicinare bambini e ragazzi all’orchestra attraverso linguaggi sempre diversi, trasformando il concerto in un’esperienza da vivere e condividere insieme.
Nata nel 2000 con l’obiettivo di aprire le porte dell’Auditorium alle nuove generazioni, nel corso di un quarto di secolo la rassegna ha accompagnato migliaia di giovani spettatori alla scoperta della musica, costruendo attorno all’orchestra uno spazio nel quale ascolto, gioco e conoscenza procedono insieme. Una vocazione che prosegue anche nella nuova Stagione, tra grandi classici del repertorio, storie conosciute e nuove produzioni.
 
Sabato 14 novembre alle ore 16 la nuova edizione prende il via da Guida del giovane all’orchestra. Rocambolescorchestra! La straordinaria Fuga di Abdelazer, opera di Benjamin Britten che in quest’occasione incontra la musica di Henry Purcell in una vera e propria avventura teatrale.
Abdelazer è un personaggio intrappolato nella propria storia e costretto a riviverla continuamente, fino a quando decide di ribellarsi al destino che gli è stato assegnato. Ad aiutarlo saranno Estro, Maestro dell’Orchestra, e Lagna, Regina di Spagna. Tra colpi di scena e momenti divertenti, gli strumenti e le diverse famiglie dell’orchestra diventano protagonisti del racconto, accompagnando il pubblico alla scoperta dei loro timbri e colori. Lo spettacolo vede Massimo Marani al testo e alla regia, Giorgia Cribiù e Lorenzo Gatto in scena e Kingsley Lin alla direzione dell’Orchestra Sinfonica di Milano.

La Stagione proseguirà sabato 19 dicembre con Il canto di Natale. Fantasmi all’Auditorium, una rilettura del celebre racconto di Charles Dickens che intreccia la magia delle festività con la storia dell’Auditorium di Milano, sulle musiche di Nino Rota e Ottorino Respighi. Lo spettacolo, con testo e regia di Andrea Piazza, vede in scena gli attori Edoardo Barbone e Fabrizio Calfapietra, con l’Orchestra Sinfonica di Milano diretta da Anna Bottani.

Nel nuovo anno, sabato 13 febbraio, sarà la volta de Il carnevale degli animali di Camille Saint-Saëns, con Marcello Corti nel doppio ruolo di narratore e direttore dell’Orchestra Sinfonica di Milano. La celebre partitura prenderà vita anche attraverso le illustrazioni realizzate dagli studenti della Scuola del Fumetto di Milano, in un incontro tra suono, immagini e fantasia. Ancora Marcello Corti sarà sul podio, questa volta alla guida dell’Orchestra Sinfonica Junior di Milano, sabato 13 marzo per Musica Maestro, spettacolo realizzato e interpretato da Auriga Teatro, con Veronica Del Vecchio, Lorenzo Marchi e Andrea Tettamanti, nel quale il concerto sinfonico si trasforma in un'avventura comica tra gag, equivoci e imprevisti.

La primavera porterà poi all'Auditorium, sabato 17 aprile, Marionette in libertà, liberamente ispirato all'omonimo racconto di Gianni Rodari, con le musiche di Paolo Furlani. Lo spettacolo, con la regia di Davide Marranchelli, vedrà protagonisti l'Orchestra Sinfonica e il Coro di Voci Bianche di Milano, preparato da Arianna Lodi, sotto la direzione di Davide Trolton, per raccontare una storia sul desiderio di libertà e sul coraggio di scegliere la propria strada.

A chiudere la rassegna, sabato 15 maggio, sarà Il ritorno del Piccolo Principe, spettacolo originale di Corrado d’Elia, che ne firma regia e drammaturgia ed è protagonista in scena insieme a Chiara Salvucci e Flavio Innocenti. Liberamente ispirato al capolavoro di Antoine de Saint-Exupéry, lo spettacolo, accompagnato dalle musiche di Sergej Prokof’ev e Maurice Ravel eseguite dall’Orchestra Sinfonica di Milano diretta da Kirill Vishnyakov, propone una nuova riflessione sull’amicizia, sulla cura del mondo e sulla capacità di conservare uno sguardo pieno di meraviglia.


“Il mio amico Amadé”: la musica e il genio di Mozart raccontati ai più giovani. Dal 10 al 22 novembre al Teatro Massimo in Sala ONU

 

Un viaggio tra biografia, gioco teatrale e grande musica per scoprire Wolfgang Amadeus Mozart attraverso gli occhi dei più piccoli. Torna a grande richiesta nella Sala ONU del Teatro Massimo, dal 10 al 22 novembre 2026, “Il mio amico Amadé”, uno dei titoli più amati della programmazione Educational della Fondazione, pensato per il pubblico delle scuole e delle famiglie.
In scena, l’attrice Silvia Ajelli, che firma anche il testo e la regia, veste i panni del giovane Mozart in un racconto dinamico che intreccia storia e finzione. Ad accompagnare il pubblico alla scoperta delle pagine più celebri del repertorio mozartiano – dal Flauto Magico a Don Giovanni, fino alle Nozze di Figaro – sarà un cast composto dai soprani Federica Foresta e Martina Mazzola e dai baritoni Mariano Orozco e Giuseppe Esposito, che si alterneranno nelle recite interpretando Papageno e Papagena, Don Giovanni e Donna Elvira, Figaro e Susanna. A dirigere l’Orchestra del Teatro Massimo è il Maestro Michele De Luca, che eseguirà le partiture originali di Mozart insieme alle musiche originali, agli arrangiamenti e alle trascrizioni curate dal compositore Simone Piraino. Completano l’allestimento le scenografie di Stefano Canzoneri e i costumi di Marja Hoffmann.

Lo spettacolo si arricchisce della collaborazione di Mediocredito Centrale S.p.A., il nuovo sponsor che ha scelto di affiancare la Fondazione Teatro Massimo sostenendo alcuni degli appuntamenti chiave della programmazione Educational (“Apollo e Dafne”, “La serva padrona” e “Pierino e il lupo” oltre a “Il mio amico Amadé”), contribuendo così a promuovere la cultura musicale tra le nuove generazioni.
“Il mio amico Amadé” è adatto a un pubblico di bambini dai 5 ai 10 anni e sarà in scena dal martedì al venerdì in matinée per le scuole (ore 10:00 e ore 11:30 su prenotazione) mentre le recite del sabato e della domenica sono aperte a tutti con inizio il sabato alle ore 17:00 e la domenica alle ore 11.30.

MONTEVERDI CHOIR E GLI ENGLISH BAROQUE SOLOISTS PORTANO A ROMA LA “THEODORA” DI HAENDEL PER LA SUA UNICA ESIBIZIONE IN ITALIA



Lunedì 16 novembre 2026 – ore 20:00
Accademia Nazionale di Santa Cecilia 
Auditorium Parco della Musica Ennio Morricone, Roma – Sala Sinopoli

Händel 
Theodora
oratorio drammatico in tre atti
 
Monteverdi Choir
English Baroque Soloists
direttore Christophe Ruote
messa in scena Tom Guthrie
Theodora Marie Lys
Irene Alice Coote
Didimo Iestyn Davies
Settimios Guy Cutting
Valente John Chest
Messaggero Jonathan Hanley

Dopo quattro concerti in Sudamerica e l’apertura del loro tour europeo a Parigi, il Monteverdi Choir e gli English Baroque Soloists arrivano a Roma all’Accademia Nazionale di Santa Cecilia per l’unica rappresentazione italiana della “Theodora” di Händel, un’opera raramente messa in scena che racconta una storia intensa di coscienza, fede e libertà.
Lunedì 16 novembre, nella Sala Sinopoli dell’Auditorium Parco della Musica Ennio Morricone, Christophe Rousset dirigerà il celebre oratorio drammatico di Händel nell’ambito della stagione di musica da camera dell’Accademia Nazionale di Santa Cecilia. 
Ad affiancare il Monteverdi Choir e gli English Baroque Soloists c’è un cast internazionale che vede Marie Lys nel ruolo di Teodora, Alice Coote in quello di Irene, Iestyn Davies in quello di Didimo, Guy Cutting in quello di Settimio, John Chest in quello di Valente e Jonathan Hanley in quello del Messaggero. 
Composta nel 1749 su un libretto inglese di Thomas Morell, Theodora fu il penultimo oratorio di Händel. La storia della martire cristiana è una delle opere più intensamente drammatiche ed emotivamente profonde del compositore, caratterizzata da una visione introspettiva, da personaggi principali psicologicamente sfaccettati e da un coro che occupa il centro stesso del dramma. 
Lo spettacolo prosegue l’esplorazione dell’oratorio di Händel da parte del Monteverdi Choir & Orchestras attraverso esecuzioni concertistiche “messe in scena”. Christophe Rousset conferisce all’opera il suo caratteristico brio operistico, con la regia di Tom Guthrie. Il recitativo è trattato come prosa teatrale, mentre la recitazione, la gestualità e i movimenti misurati scaturiscono dal linguaggio emotivo della partitura. Il coro diventa un partecipante attivo nella vicenda drammatica, e i suoi colori vocali mutevoli creano l’universo di Theodora senza bisogno di scenografie elaborate.
La collaborazione tra Christophe Rousset (nella foto a destra), il Monteverdi Choir e gli English Baroque Soloists fa parte di un percorso di approfondimento a lungo termine degli oratori di Händel, che si estende dal palcoscenico da concerto allo studio di registrazione. La loro registrazione del Messiah, realizzata durante la tournée europea degli ensemble nel dicembre 2025, è stata pubblicata da Harmonia Mundi all’inizio di questo mese. Seguirà Theodora, registrata dal vivo il 18 novembre presso la nuova Sohmen Concert Hall dello Schwarzman Centre di Oxford, nell’ambito della nuova collaborazione tra il Monteverdi Choir & Orchestras e l’etichetta discografica.
Alla sua prima rappresentazione, il 16 marzo 1750 al Covent Garden Theatre di Londra, Theodora non riuscì a conquistare il grande pubblico, sebbene trovasse estimatori tra musicisti e intenditori. Un tempo sottovalutata dai contemporanei di Händel, è oggi riconosciuta come una delle sue opere più importanti, contenente alcune delle sue arie più celebri, tra cui “As with rosy steps the morn”, “With darkness deep” e “Angels ever bright and fair”.
Il Monteverdi Choir è tra i principali interpreti al mondo degli oratori di Händel, e Theodora  ne sfrutta appieno la gamma espressiva. Il coro è al centro del dramma, passando dalla devozione e dalla vulnerabilità della comunità cristiana alle esuberanti festività dei pagani romani.
La tournée internazionale ha avuto inizio il 2 novembre al Teatro Colón di Buenos Aires, seguita da rappresentazioni a Montevideo, Lima, San Paolo e Parigi. Dopo l’unica rappresentazione italiana a Roma il 16 novembre, Theodorasi sposterà a Oxford il 18 novembre e a Londra il 19 novembre.



A Catanzaro il Festival d’Autunno: Malika Ayane chiude la rassegna con il concerto “A teatro”

 

Un finale coinvolgente affidato a una voce unica della musica italiana. L’ultimo appuntamento della XXIII edizione del Festival d’Autunno al Teatro Politeama «Mario Foglietti» di Catanzaro sarà sotto il segno del grande pop d’autore. Sabato 14 novembre, alle ore 21, la rassegna ideata e diretta da Antonietta Santacroce, sostenuta dalla Regione Calabria, per Calabria Straordinaria, con risorse PAC 2014/20 – FUNT Eventi culturali di pregio, ospiterà A teatro, titolo già fortemente suggestivo del nuovo tour di Malika Ayane.
La manifestazione, dopo aver presentato nomi altisonanti della scena italiana e internazionale come Massimo Ranieri, Vinicio Capossela, Biagio Izzo, Gonzalo Rubalcaba e Dee Dee Bridgewater conclude così un’edizione che ha celebrato Musica, visioni e meraviglia, affidandosi a un’interprete dalla spiccata personalità artistica.
«Malika Ayane sa cantare le emozioni senza mai forzarle, comunicando con il pubblico attraverso il colore che imprime alle note», afferma Antonietta Santacroce. «Affidare a lei l’atto conclusivo di questa straordinaria edizione del Festival è il modo perfetto per meravigliare il nostro pubblico con un ulteriore spettacolo di altissimo valore».
«In questo concerto», prosegue la direttrice artistica, «spettatori e artista entreranno in sintonia perfetta, trascinati dalla magia della musica. Sarà una serata
elegante, nella quale Malika ripercorrerà i momenti più significativi della sua carriera, non rimanendo ancorata al passato e proiettandosi verso un futuro che sarà costellato di successi».
Voce tra le più raffinate e magnetiche dell’intero panorama musicale nazionale, Ayane torna in tour nei principali teatri italiani per raccontarsi in una veste più intima e personale. «Dopo un’esperienza nei musical, ho bisogno di uno show minimalista, che veda la musica al centro», ha dichiarato la cantante.
A Teatro, invita i fan e i curiosi ad incontrare e riscoprire le hit celebri che hanno segnato la carriera dell’artista. «Si tratta di un concerto essenziale che si rivolge anche al pubblico avvicinatosi a me dopo Sanremo», al quale ha partecipato con la già citata Animali notturni.
«Ciò che mi piace del teatro è che il palcoscenico permette di costruire qualsiasi cosa, diversamente da spazi nati per ospitare performance diverse come stadi o palazzetti». Il tratto distintivo di questo spettacolo sta nella voglia della cantante di esplorare sonorità diverse senza snaturarsi, rimanendo comunque ancorata alla propria identità: ogni brano susciterà profonde emozioni nell’ascoltatore,
andando a rappresentare immagini significative della nostra vita in questo intenso dialogo che mette a nudo l’interiorità della cantante.
I brani di Malika Ayane troveranno una nuova dimensione negli arrangiamenti pensati per il contesto teatrale. I successi che hanno segnato il suo percorso, tra cui Senza fare sul serio, Tre cose e Come foglie, si alterneranno a composizioni più recenti come Detto tra noi, Animali notturni e Una possibilità, dall’album Cicale. Una formazione essenziale accompagnerà la cantante, lasciando spazio alle sfumature di una voce capace di passare con naturalezza dalla delicatezza all’intensità interpretativa.
Ad accompagnare Malika Ayane sul palco saranno Jacopo Bertacco (chitarra), Filippo Cornaglia (batteria), Pietro Spinelli (tastiere/piano) e Raffaele Trapasso (basso). «Ho scelto musicisti veramente bravi sia con il proprio strumento che nell’utilizzo di tutte le tecniche innovative. Sono capaci di stare all’estremo acustico e allo stesso tempo di trovare vestiti contemporanei diversi».
Le sonorità soul e jazz verranno esaltate dalla rivisitazione del repertorio contribuendo a dare nuova veste alle canzoni. Sarà proprio la musica, nella sua essenzialità e nelle sue molteplici sfumature, a guidare l’ultimo incontro del Festival d’Autunno con il pubblico, nel segno di un’interprete che ha fatto della ricerca e della riconoscibilità stilistica i tratti distintivi del proprio percorso.

nelle foto a destra, dall'alto: Jacopo Bertacco (chitarra), Filippo Cornaglia (batteria), Pietro Spinelli (tastiere/piano) e Raffaele Trapasso (basso)




"MUSICHE SULL'ORLO DEL TEMPO": TRE GRANDI SOLISTI INTERNAZIONALI AL TEATRO SECCI PER LA FILARMONICA UMBRA

 

Domenica 15 novembre 2026 (ore 17.30), il palcoscenico del Teatro Sergio Secci di Terni ospiterà uno degli eventi di maggior prestigio della 52ª stagione concertistica dell'Associazione Filarmonica Umbra ETS: il concerto intitolato "Musiche sull'orlo del tempo", un dialogo folgorante tra due snodi cruciali della storia della musica da camera.
Protagonisti della serata saranno tre musicisti di caratura mondiale e virtuosi italiani tra i più celebri e apprezzati sulla scena internazionale. Massimo QUARTA, violinista e direttore d'orchestra di fama globale — noto al pubblico internazionale anche per la sua storica incisione integrale dei concerti per violino di Paganini — unisce un suono luminoso a un rigore interpretativo straordinario. Accanto a lui Enrico DINDO, violoncellista tra i più importanti della sua generazione, vincitore del prestigioso Concorso Rostropovich di Parigi e direttore d'orchestra, celebre per la sua profondità espressiva e la perfezione tecnica. A completare questo trio d'eccellenza è il pianista Pietro DE MARIA, primo italiano a vincere il Primo Premio al Concorso Internazionale Dino Ciani e acclamato nei principali teatri del mondo per la sua intelligenza musicale e la straordinaria raffinatezza timbrica.
Il programma della serata mette a confronto due capolavori scritti in epoche di profonda transizione e tensione storica. La prima parte si aprirà con il Trio in la minore op. 24 (1945) di Mieczysław WEINBERG (nella foto a destra), un'opera intensa e carica della tragica memoria di quell'anno cruciale, dove il linguaggio del compositore polacco-sovietico riflette una drammaticità tagliente e toccante. Dopo l'intervallo, il concerto proseguirà con il Trio n. 3 in do minore op. 101 (1886) di Johannes BRAHMS, un vertice della letteratura cameristica tardo-romantica in cui l'autore amburghese condensa in una scrittura serrata, concisa e inquieta tutto il crepuscolo e la potenza emotiva del proprio genio.